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GUMMO – Harmony Korine

Joven promesa -ya cumplida- del ámbito norteamericano, donde el dogma actualmente es una moneda corriente, este realizador fue el verdadero pionero de una poesía propia del género. Con filmes como “Gummo” y “Julien Donkey Boy”, comenzó su maestría con el guión de la bomba de los 90′ “Kids”. Allí se estableció y de ahí en más no se detuvo.

Trabajó con técnicos y directores consagrados, como Werner Herzog y Anthony Dod Mantle, y actores de la talla de Ewen Brener (Trainspoting) y Chloe Sevigny (Kids y Dogville). Su trabajo y obras son únicas en el género y explotan ámbitos degeneradamente inhóspitos.

Para conocer un poco mas de este talentoso director nos refiriremos a su opera prima Gummo (1997). La historia comienza así –storyline-: Xenia, Ohio, es una pequeña, pobre y aburrida ciudad que nunca se recuperó completamente del tornado ocurrido en 1970. El jóven Solomon y su viejo amigo Tummler no tienen nada que hacer más que matar el tiempo, comprar cemento para aspirar y quedar encajados.

El filme narra además otras actividades en conjunto, que van desde chapotear en una piscina de plástico en plena lluvia con dos rubias salidas del infierno mismo, maltratar a un gato luego de ser ahorcado, encerrarse con un grupo de anormales en una cocina, jugar pulseadas con un enano negro y la cuenta sigue….

El guión es este: un pueblo, hechos comunes a la vista de la localidad y personajes / situaciones que conforman un circo más que interesante si deseamos analizar el despojo humano que yace en nuestros barrios (y que, desde luego, formamos parte).

Tummler : “Conocí a un chico que era disléxico. También era bizco así que todo le salía bien”.

Lo inteligente y sagaz del realizador es la forma y el acercamiento que realiza junto a su director de fotografía (A. Mantle). Es una historia que
escapa del discurso engendrado por Hollywood, el cual se funda en la reelaboración del guión en todas sus estructuras.

La fusión de géneros como elemento “artístico”, elemento plausible de non-retorno por parte del mercado; este es el sello característico de H. Korine. La facilidad de pastiche sobre el método Hollywood (un fenómeno digno de esta postmodernidad).

Ahora bien, ¿cómo definir la obra de este joven director? J. Christley, en su crítica para Film Griten, lo definió así: No es un documental. Pero ¿qué es bien ? … Lo cuestionable es lo puro real (que Korine) esta grabando, desde que sabemos que es un set, o más a nuestro favor, desde que mezcla realidad con ficción para fundirse en el hecho artístico…

¿Dónde terminan los actores y dónde comienza la realidad? Y ¿quiénes somos para sugerir qué es lo no ensayado y espontáneo, al situarse escenas claramente fabricadas?

La película fue emitida por Cinemax y se encuentra para downlodear en Internet; no se mostró en los festivales de Cinemateca y no se encuentra en ingún video club, así
que esta en sus manos.

POR MATEO ETCHEGOYHEN

PULIENDO A JULIAN SCHNABEL

“Soy un turista: no sé nada de política.” Así se define este ahora genial realizador que nos destella con dos biografías de dos grandes de finales de siglo, como fueron J. M. Basquiat y Reinaldo Arenas

Este pintor y escultor intocable de la escena norteamericana -ahora devenido a director de cine-, y sujeto necesario para entender los80’, se divide entre Nueva York (su ciudad natal) y España, país al que ama entrañablemente y donde conoció a su actual esposa.

Se recibió en arte durante los 70’, y concibió varias obras durante los 80’ donde formo parte de la corriente Pop que tuvo de estandarte a figuras de la talla de Andy Warhol.

En una entrevista realizada hace unos años declaró: “Fue un tiempo espectacular, energético, positivo. Gracias al arte seguimos siendo humanos” -.

Este hombre, ahora entrado en años, ha encontrado otra faceta como realizador cinematográfico en la que encaja de forma inusitada; y, aunque tome caminos ya recorridos, despierta curiosidad sobre qué se traerá entre manos. Estamos esperando su última realización.

En sus dos primeros trabajos como realizador, logró dos increíbles e íntimos filmes, ambos sobre biografías de artistas que no vieron la hora de irse -uno por medio de la heroína y otro a través del Sida-. Pero lo interesante es el enfoque y la forma que nos presenta a estos “artistas”.

Al considerarse uno de ellos, es que logra entender la situación o cree llegar a comprenderla en su foro interno; y esto lo alcanza en tal magnitud que a la hora de llevarlo a lo exterior es que todo coincide, para así darnos cuenta de que si no es tan bueno como parece, al menos lo experimenta de forma cierta.

En otra declaración dice Schnabel: “…Para mi (el saber) es libertad. Hay quienes se sienten mas felices con menos cosas en la cabeza…”-.

En estas dos obras se explora: la vida de J. M. Basquiat (pintor) por un lado, y la de Reinaldo Arenas (escritor) por otro; si se quiere, cada uno como excepción en cada realidad que le tocó vivir o… ¿por qué no?… de qué forma el contexto se adaptó a ellos, o lo contrario.

Lo genial de este director es que conoce, explora tiempos y lugares de forma única, sin dejar espacio a la crítica socio-histórica. Otra cosa a señalar es el tratamiento hecho sobre los personajes en cuestió,n y los actores que los personifican.

El casting, sin lugar a dudas acompañado por el ojo de J. Schnabel, afirma que sin estos semi-dioses no se conformaría de forma consistente estas biopics que tanto nos ilustran el devenir de la historia artística, en este mundo actual tan lleno de vicisitudes.

En Basquiat, Jeffrey Wright (actor de teatro que hizo los deberes), nos deja queriendo más, y la hipótesis de poder considerar esta película un documental, de no ser por las perspectivas adquiridas en el film. Así, nos presenta de forma cruda y simpática a Jean M. Basquiat, artista de la sub-cultura pop del movimiento underground de USA en los ochenta.

En el caso de la segunda película, Javier Bardem nos da una de sus mejores actuaciones hasta la fecha (habrá que ver “Los lunes al sol”), interpretando a Reinaldo Arenas de forma sutil y marcada.

Sabemos que el escritor vivió momentos muy difíciles que no cualquier actor hubiera resuelto de forma tan española. Estas resoluciones requirieron una elaboración del personaje que pocos hayan llegado a vislumbrar o sentir.

Entonces, ¿cuáles son las características de J. Schnabel como realizador? Una narración muy particular en cuanto refiere a lo conocido, pero que no deja de sorprender. Una investigación exhaustiva de cada personaje. Una dirección de actores personal al máximo. Y un manejo de imágenes y composición que genera odio (envidia).

Ahora sí, se hace clave esperar un nuevo film de este realizador que no nos deja de asombrar por el conocido empeño que le pone a la obra, así como los condimentos que utiliza para hacer más gustoso el plato.

– Schnabel canta, pinta, escribe, esculpe, filma, ¿la gente desconfía? Schnabel: No gusta que uno haga tantas cosas, no hay costumbre. Pero es muy difícil separar tu vida en facetas, ser artista sólo a veces.

CÓMO VER A NOÉ

8: H.I.V. (2006)
Destricted (2006)
Irreversible (2002)
Seul contre tous (1998)
Sodomites (1998)
Carne (1991)

Por Mateo Etchegoyhen

El primer contacto que tuve con el mundo de Noé fue hace un año y medio, en el cine Alfa Beta; que se caracteriza por la proyección de películas fuera del mainstream “montevideano”.

Cuando llegué a la sala había no más de diez personas; algunos de ellos de edad mayor que a la media hora se encontraban retirándose de la sala. Los primeros diez primeros minutos fueron un tour de force no menos que “in-necesario” donde el ojo ajeno se funde con precisión en la lente de la cámara.

Bueno, basta de introspecciones y vamos con la nota del mes… Entremos en el mundo de uno de los realizadores más importantes de la década; franco argentino de 42 años, Gaspar Noé es considerado un “niño desobediente” en esto del cine europeo. Hay que tener estómago, conocimiento del arte audiovisual y, por qué no, cabeza (cierto cuestionamiento individual del momento en que nos tocó coexistir) para presenciar su obra, porque como todo creador, tiene su propia problemática.

Vamos a empezar por el camino más fácil, los títulos de algunas de sus obras: “Solo contra todos” e “Irreversible”, sus dos únicas películas hasta la fecha que se han podido ver en cable y están en video. También posee una variedad de cortos listos para downlodear de Internet, especialmente estos:

– Carne (ref. de su primera obra “Solo contra Todos”, mediometraje premiado)
– Sodomitas (cortometraje sobre S&M, fuerte pero vital)
– Protege Moi (video clip para el grupo Placebo, prohibido en Europa)

Primero, cuando vean alguno de sus filmes no concurran con sus novias. Segundo, abran los ojos. Y tercero, no busquen respuestas. En cada uno de sus filmes podemos presenciar una temática desbordante, imágenes ¡trabajadas? a la perfección, originalidad cinemática y una presencia única de la cámara/mirada.

Uno de los temas importantes, a mi parecer, dentro de la obra de Noé, es la puesta a prueba de lo masculino como género recurrente que, en los tiempos que corren, es una fuerte apuesta a tratar de explicar la cultura occidental/oriental misma, esa apariencia que nos hace humanos o nos refleja como monstruos.

Habría que preguntarse sobre la necesidad de la violencia explícita en las imágenes de los filmes antes mencionados. Como diría un amigo mío, son tan “necesarios” como una película de Walt Disney; pero esto no deja de pedirnos que trabajemos individualmente para reelaborar dicha temática y sacar partido de ello.

Un tópico interesante a analizar es la relación de pareja que mantiene con Lucile Hadzihalilovic -directora del filme Innocence – y que en un pasado no muy lejano fue su editora en el cortometraje “Carne” y en el filme “Solo contra todos”. De allí se palpa el argumento más elaborado en “Irreversible” sobre las relaciones entre distintos géneros y del cual se desprende una química más que digna de un trabajo entre personas de diferente sexo (tema complicado en este S XXI).

Últimamente Gaspar Noé se dedica al trabajo conjunto de directores (en el formato de cortometrajes) sobre temáticas de claro perfil social y artístico/sexual. Es el caso de Destricted y 8: H.I.V. (que no creo lleguemos a presenciar).

Ahora bien, realicemos una reflexión sobre el hecho mediático del cinematógrafo y el rol que subyace dentro de la ecuación del evento mismo (ir a ver “Irreversible”).

Entonces quién es Noe, sino Mateo Etchegoyhen en ese día, con esa cabeza, con ese cuerpo, con esa “mirada” bajo la cual se retroalimenta sin remordimiento hasta que salga el sol (se abran las puertas del Alfa y Beta).

Qué lugar le damos a nuestra subjetividad –en ese instante de sinceridad alucinatoria como lo es el cine-, luego de configurar nuestro pensar/sentir Noé. Y es que la brutalidad de nuestra conciencia y de los “medios” que nos rodean, no dejan –dentro de su función misma que es reproducir- tiempo para transmitir nuestra culpa por no utilizar cada instancia como una revelación de cambio.

Preguntarse realmente, qué es lo que veo cuando observo. Qué me quiso decir este tipo con este retrato. Por qué yo espectador/cliente estoy hoy aquí viendo esto. Y a dónde me va a llevar, más allá de decir: “¡qué fuerte la escena del “Rectum”! ¡qué lomo la Bellucci! o ¡qué degenerado este Noé!.

Preguntarse con intimidad y sin tabúes, sin olvidar qué hice ayer, por qué hoy y ¡a dónde mierda me voy mañana!

ESTADOS ALTERADOS

“Soy un hombre en busca de su verdadero yo. ¿Cuán arquetípicamente Americano podés llegar a ser ? Todo el mundo esta buscando su verdadero yo. Todos estamos tratando de completarnos, entendernos, sostenernos a nosotros mismos, explorar nuestro ser, expandirnos. Desde que nos dispensamos de Dios, no tenemos más que nosotros mismos. ”

— De la novela Estados Alterados de Paddy Chayevsky (1)

Partimos de la base del “horror biológico” como algunos especialistas del género cinematográfico subrayan ( body horror ); allí encontramos a creativos que van desde M. Foucault a Clive Baker –en la literatura-, de D. Cronenberg a John Carpenter –en el cine-.

La temática a abordar es el filme “Estados Alterados” del controversial realizador inglés Ken Russel. Este señor, “adulto” ya, posee un sin fin de trabajos (alrededor de 30 películas); básicamente centrado en lo grotesco y con un paladar fino a la hora de obtener resultados.

Algunos de estos títulos a resaltar son: Tommy (opera rock / The Who); Mujeres Apasionadas (lo mejor de él); Crímenes de Pasión (A. Perkins y K. Turner); Whore – Prostituta – (en video, con poca resonancia). Y para olvidar, varios…

El filme es de 1980, momento de quiebre en el cine mundial; con películas de terror bien elaborado y con un pasaje a los efectos especiales desmesurado. Estados Alterados recuerda, debido a sus ritmos y climas, a filmes como El exorcista / El bebe de Rosemary, los cuales a mi entender no buscaban una “fascinación” masiva aunque despistadamente la obtuvieran.

El argumento del escritor Paddy Chayevsky (que luego desistiera de su participación en los créditos); narra las actividades del científico Eddie Jessup (William Hurt), que luego de investigar en un tanque de aislamiento buscando encontrar al primer hombre o alcanzar “al verdadero ser”, no obtiene los resultados esperados … Jessup d ecide ir a México y realiza un viaje con drogas locales –peyote-, de donde obtiene un tipo de acercamiento que lo obliga a incursionar con dicha sustancia –en mayores dosis- pero ya en su país y dentro del tanque antes mencionado.

Desde ahí, se desprende una parafernalia de elementos macabros por parte del director y la historia que nos dejan “sin aliento”. El elemento primordial es que el sujeto en cuestión vuelve a ser “el primer hombre”, y no lo digo con ambigüedad: se transforma en un primate (el único).

Surge la ansiedad, la violencia, la velocidad de los tiempos que corren pero ilustrados en la vorágine de este antepasado. Surge en el personaje la fascinación de la caza, de la persecución (elementos bastantes deformados en nuestra sociedad capitalista); pero el elemento básico a cuestionar es la vuelta a lo instintivo / pero sin vuelta atrás…

Hay un manejo importante de efectos especiales –de buena calidad- de la mano de Bran Ferren , la música como en todos los filmes del inglés es preponderante (en este caso, a cargo de John Corigliano) .

Y la actuación de William Hurt –un icono de los 80′- es preponderante en la seducción de la película; cabe destacar las escenas primeras del tanque / cuando surge el rebrote por primera vez.

“P. – No eres extraño al genero del horror. ¿Haz tenido alguna vez una experiencia sobrenatural?
K. R. – Hubo una cosa que realmente me espanto. Vivía en una habitación de cuarta en el campo y, debajo del piso hay todo tipo de animales (ratas, ratones, ardillas y pájaros), por lo que había mucho ruido debajo de mi cabeza en el dormitorio.
Hubo una vez que me preocupe de más, cuando el sonido parecía venir de los escalones de la entrada a mi cuarto. Era como si hubiera una cosa con garras y alas rotas, que me imagine de 2 a 3 metros de largo y bastante ancha, que hacia un eco de aullido y raspado al tratar de subir la escalera. Tengo 2 puertas pequeñas que están cerradas frágilmente, y me pareció que estaba arrimándose a la puerta; o por lo menos eso creí. Esto me dejo muy perturbado, pues sucedía alrededor de las 3 de la mañana. Luego una noche pensé: ´Esto ha ido muy lejos, me está quemando la cabeza´.

Entonces prendí la luz del cuarto, me levante –y como duermo desnudo- abrí las puertas de golpe, y me quede parado…; un horrible gordinflón desnudo y flácido, moviendo sus carnes. Debo de haberlo asustado de muerte, porque nunca vino de vuelta. Funciona para ambas partes claro esta, podemos asustarlos hasta la mierda. “(2)

La complicación, siguiendo el guión y una crítica virtual; nos lleva a un estado “Más allá de las cosas”, donde aparece la mujer –la pareja- como “salvación”; surge el amor como posible remedio al origen de la especie –sumamente bizarro-.

Aparece “el otro” en Jessup (en forma de ser prehistórico), lo que obliga a resaltar la esquizofrenia en los demás participantes de la historia. Aquí surge el elemento más interesante de la película –a mi entender-; y es, cómo en la búsqueda de uno por alcanzar un mayor nivel / estado mental o social –a veces sin preocuparnos por “los otros”-, es que realmente influimos o tomamos parte en el afuera y en las otras personas.

Surgen las preocupaciones, las preguntas; como decía un conocido mío sobre las drogas: “… pueden sacar los mejor y lo peor de uno…” y yo agregó, de los demás también. Por esta razón, la experimentación se ubica en el juego primario de la experiencia; problema que actualmente no es instintivo sino meramente político.

Estados Alterados , sin duda alguna, marcó un hito en la realización norteamericana y en la narración universal. ¿Por qué? Por la veracidad asumida por los protagonistas del evento cinematográfico (guionista, director, actores, etc…) La apuesta concebida resulta perspicaz si se analiza este nuevo siglo… sin predicciones reales que la post teoría.

P. – Do you have any regrets ?
K. R. – I have regrets about everything. (3)

Por Mateo Etchegoyhen

Notas
1-Film Review – By Frederic and Mary Ann Brussat
2- KEN RUSSELL – Interview by Billy Chainsaw
3- KEN RUSSELL – Interview by Billy Chainsaw

ERASE UNA VEZ EN AMERICA

Qué decir de este filme que aún no se haya dicho. Recibió desde atrocidades hasta elogios inmensurables; esta fue la cara mediática que obtuvo en la época de su estreno. Cannes respondió con 15 minutos de aplausos ininterrumpidos y algunos críticos la nombraron el peor filme del 1984. ¿Qué raro, no?

A mi entender una de las grandes epopeyas del cine moderno, con Sergio Leone detrás de cámaras y un elenco irremediablemente exquisito. Con Robert De Niro en un papel de ostias… La película contiene escenas bastante violentas para la época -3 violaciones y alguna que otra tortura “necesaria”-, pero que no los espante, ya que la historia ocupa 4 horas -en su versión original- envidiables sin retorno (el olvido es “contrastado”).

Y de eso trata un poco el argumento, de la memoria, del desuso por la misma vía del dispositivo de la droga (opio), del delito como vocación y salida más próxima. Érase una vez en América tuvo muchas versiones; sea por la censura, por los estudios (mucho tiempo para “el público”) y/o por la crítica que en esa época no dejaba títere con cabeza (¿Cuándo no lo hizo?).

El argumento narra la vida de dos jóvenes judíos en el barrio italiano durante el progreso del crimen organizado en USA, con Nueva York como ciudad elegida.
La historia juega constantemente con flashbacks (medidos), pasando por el auge hasta la caída de este grupo de mafiosos; “jóvenes” jugando a ser duros.

Se habla de un B. Siegel o un M. Lansky pero son meras aproximaciones, ya que usureros y corruptos hubo siempre en todos lados. ¿Qué pasa por nuestra cabecita, que siempre nos terminan por gustar este tipo de personajes? Falta de credibilidad en el orden, carencia de aspectos vivenciales que nos hagan sentir “uno más”, o simplemente aburrimiento existencial a causa de las “nuevas” tecnologías y de un escueto yo.

El director es nada menos que Sergio Leone; otra máscara en esto del cine. Un hombre que juega para el lado que más le convenga, pero un director italiano de palabras mayores (ya fallecido en 1989 a la edad de 60 años). Empleado en CinecittÁ (F. Fellini), el entonces joven realizador adquirió experiencia como asistente, más tarde, con visiones a lo “Kurosawa” también se dio el gusto de salvar dicha empresa y levantar el cine italiano.

Realizó filmes como “Por un puñado de dólares”, “El bueno, el malo y el feo” y “Érase una vez en el Oeste”. Renovó durante la década del 60’ el cine de aventuras con el género “spaghetti western”, con nombres como Clint Eastwood como mecenas para las majors. Érase una vez en América le llevo la no desestimada cifra de 8 años para su preproducción y 2 de realización.
Pero bueno, basta de S. Leone y volvamos a la película del mes. El filme contiene un trabajo de diseño –vestuario y maquillaje- y reconstrucción de época únicos (trabajo en conjunto entre italianos y USA), a lo que se suma un E. Morricone como un “adelantado” en la implementación de la banda sonora, tardío amigo de Leone durante la trilogía de westerns.

Tuvo un costo de 20 millones que luego se extendió por obvias razones, que para la década de su realización era un precio más que estimable para un joven director; sobre todo por la libertad con la que lo dejaron trabajar y con la cual finalizo su carrera y uno de los mejores filmes de todos los tiempos.

En resumen, la película de Leone no gusto entre el público; la crítica la despedazo (aunque luego se rehizo); para ser un evento de las majors era muy largo (repito 4 horas) y la violencia explicita era insostenible.

¿Pero qué hizo el sujeto (además de buscarse como un hijo de puta)? Trabajó para los estudios y su tedioso público, y realizó tres westerns que adquirieron con el tiempo notoriedad a todo trapo (económico, crítico y cinematográfico). Que se entienda: hay que hacer los deberes con el poder para luego realizar uno la contrapropuesta.

Desde donde se la mire, y aunque cumpla con los requisitos de todo arquetipo épico hollywoodense (sin importar qué hicieron luego con la fórmula), este filme es una crítica acérrima al poder y a la ambición (mentalidad violenta del occidente).

¿Pero qué consiguió realmente este fenómeno audiovisual del Sr. Leone? Repudio; entonces cumplió con su objetivo formal y le presentó al publico y a “los otros” una cara que no querían ver desenmascarada. No querían ver la América de occidente: su creación (ver video clip de Rammstein -Amerika-).
Sí, luego fue aplaudida y venerada, pero cuando ya el evento no requería dicha notoriedad: hay que tener mucho cuidado con la crítica (con los críticos, me retraigo) y con el pueril público consumidor de violencia rústica e “ilimitada”.

¿Qué rol cumple la película? Bueno, para empezar, nos presenta al enemigo/héroe (nosotros mismos) en un personaje judío que encuentra su perdición en la búsqueda “única” de rédito económico y experiencias de “vida” o muerte. Sumamente contemporáneo y de una paranoia desfachatada.

Basta de moralejas y actuemos como personas “serias”. El filme amerita un alquiler en los videos; esta en ambos formatos (dvd y vhs). El DVD tiene un extra sobre un documental que es sumamente interesante y los VHS son esa cajita doble hermosa (que me compre en Tristán Narvaja a 100 pesos).

Para que alquilen los cinéfilos medios y público en general; les paso a detallar el argumento de forma científicamente probada: si vieron Buenos Muchachos (y les gustó), si vieron Pandillas de NY (y les pareció una porquería) y si les cabe el De Niro de “Cabo de Miedo”. Esta es su maldita película del mes.

SER Y TENER

Un Documental

“… Inspirado en el fenómeno francés de la clase única, Ser y Tener muestra la vida de una pequeña clase de un pueblo a lo largo de todo un curso, mostrándonos una cálida y serena mirada a la educación primaria en el corazón de la Landa francesa. Una docena de alumnos entre 4 y 10 años reunidos en la misma clase, se forman en todas las materias bajo la tutoría de un solo profesor de extraordinaria dedicación. Maestro de la autoridad tranquila, el profesor Georges López conduce a los chicos hacia la adolescencia, mediando entre sus disputas y escuchando sus problemas. …” -Sinopsis-

Con 50 años y una carrera firme en esto del documental, su director, Nicolas Philibert nos introduce en este filme de magnitudes impropias para el mercado del DVD. Se encuentra en la mayoría de los videos que se dignan a enriquecer a su público.

Cuenta con varios premios en su haber, principalmente en su zona de influencia: Europa. Hay que tener cuidado con las críticas y/o las premiaciones, muchas películas poseen en sus carátulas o en la promoción mediática pequeñas reseñas que le otorgan un hilo de atracción no menos importante. En este caso, lo merece.

Como sabemos, la vida del hombre en sociedad se basa en la negociación (sea a nivel político como económico); por esta razón, hay que saber del manejo de los contactos y del famoso “amiguismo” a la hora de revelar y promocionar un mensaje/película.

El filme no incursiona en esta temática pero si en el relacionamiento entre sensibilidades, dejando un poco de lado lo antes mencionado. Cuando uno tiene esa edad, choca el aprendizaje con ciertas necesidades básicas y un “gusto” muy inocente. De allí la veracidad en el título y el pasaje de los chicos por esta etapa, donde lo ambiguo es meramente una instancia del descubrimiento y no de lujo o la necesidad.

El director cumple casi la totalidad de los rubros. No se puede ingresar en un círculo sin promover reacciones (se ven al comienzo en alguno de los padres). Entonces se entiende la decisión de permanecer en soledad durante este viaje en la campiña. El manejo de la fotografía, la edición del filme corre por cuenta propia del realizador, y claro, con contrato con el profesor.

Hay una lentitud agraciada en las tomas / edición (¿elección o recaudo del contexto?). Hay algo en el steady shot que nadie lo puede superar, y es la improvisación real. En este caso, por no actores; pero los cuales a pesar de ser jóvenes reconocen la nueva presencia y la utilizan, no como performers pero sí como artistas del momento, buscando / utilizando esta nueva instancia para el descubrimiento o la sorpresa.

Se busca la experimentación como en el documental mismo, y aquí el coqueteo de la realización no busca más que ser ella misma, jugar con el tiempo y crecer…

HUNDSTAGE

El tiempo pasa y nos vamos poniendo…, unas lacras. No hablo de la edad, ni de una posible diferencia real con otras épocas; hablo de la naturaleza del hombre en esta actualidad quejumbrosamente desmedida. Con todos los parámetros y estéticas (digámosle tecnologías); bah, formas de relacionarnos y de…

Bueno, la película del mes trata sobre lo que parece ser una ciudad austriaca. Digoparece porque luego de ver el cine que vemos / el mundo que conocemos, me pasa que cada vez que veo un filme así, pienso que son de otra dimensión, y lo que ocurre ciertamente es que no vislumbramos otra realidad que no sea la propia o la del cable.

Este filme del “director” Ulrich Seidl -su opera prima-, nos habla de una temporada de calor en un suburbio de Viena (aunque el idioma de la película sea el alemán), con los actores de turno personificando algunas historias, que narran comportamientos bastante estigmatizados de nuestra sociedad mediatizadamente europea.

Un dato interesante dentro de esa gran vista gorda que realiza el filme, son su contexto y sus extras, que a lo único que se dedican es a tomar sol y “supuestamente” a ir de compras. “Los 10 más populares”…

La película no es para todo público, digo esto no solo por las escenas violentas (que las hay), sino además por los ritmos y actuaciones del mismo. Hay una mezcla del dogma…

“… Las historias son fascinanates y frecuentemente depresivas. Muchas pueden generalizarse como gente infeliz haciendo a otra gente infeliz (y a sí mismos infelices). Este es el tipo de historia que los directores del Dogma 95 aman, porque provee muchas oportunidades para presentar emociones en crudo. …” 1

Contiene elementos del cine ingles de los 90’ (ejemplo de algunos dramas de Mike Leigh y alguna cosita de Danny Boyle), por los cual el que no posee cierto adiestramiento al estilo, puede perder interés a la brevedad. En cuanto a los actores, estos cumplen con solvencia sus roles aunque se pueden encontrar criticas ásperas que también se le podrían adjudicar al guión (sobresalen en especial la pareja entre Erich Finsches y Gerti Lehner).

No posee banda sonora, excepto la que se incluye incidentalmente durante el rodaje mismo. Este es otro dato para entender las dificultades para acercarnos al evento (no es la cara oculta “cinematográficamente” de un video clip), sino algo que se asemeja a un ámbito teatralizado en un cuadro o habitación.
Otro dato importante, no sé qué cámaras usan estos “bastardos” pero es una DV en mano (yo interpreto una DV + un lente de la ostia y una steady cam) y se ve como cine, CINE.
El realizador de esta película del 2000 comenzó estudiando cine y haciendo documentales de tono generalmente perturbador, y no tuvo una buena acogida en su país ni en las productoras o empresas estatales de turno.

Este elemento le ayudo a conformar una visión y forma de trabajo no menos interesante, donde el público preconcebido y las formas establecidas no son su foco de mayor importancia.

Los temas que se plantean en “Hundstage” (y se pueden observar en la obra de este realizador) son, antes que nada, una buena utilización de la fotografía como elemento de confabulación (sí, estoy haciendo cine ¿y qué?), pero sin embargo sus temas no son para los Movie Center (aunque después de “Aparte”, todo es posible).

Si se pudiera relacionar con algún realizador -de los que llegan por estos lares- sería con Todd Solondz (“Happiness”, “Storytelling”), por su desfachatado modo de ver las cosas y por lo grados de dramatismo que logran. Este director norteamericano en las guías de video y dvd, generalmente es posteado con dos estrellas. ¿Me explico?

Otra cara “inusual” del evento Seidl es la vía performática dentro del rodaje. Las situaciones que elabora la joven “discapacitada” haciendo dedo por la ruta denotan esta característica dentro del filme, donde algunos actores son realmente “gente”.

El hecho de ser criticado o reseñado mediáticamente es lo único que permite, a estas alturas del fenómeno “social”, el obtener cierto reconocimiento (lo cual no es malo). Esto confirma el alcance a una cantidad importante de público que beneficia al realizador, no sólo por su próxima financiación, sino porque su pensamiento obtiene reacciones y desencadena supuestos.

“… Dog Days, opera prima de Seidl, representa mucho menos un corte que una continuación de sus estrategias narrativas, estructuras formales y énfasis estilísticos. El filme se centra en un suburbio de Viena durante dos calurosos y pegajosos días. Los personajes y sus insoladas, solitarias vidas nos son introducidas de manera bastante similar a la que Seidl presenta a los personajes de sus documentales: con un foco en lo cotidiano, en las actividades mundanas que simultáneamente yace n bajo la barrera de lo “enfermo de la normalidad”. ….” 2

Una recomendación: si tienen tiempo ponganla a downlodear, pero además traten de conseguir otras cosas de este genial director.

Su última película “Jesus, you know” es realmente lo plausible de este “cinema novo” del siglo XXI o de este neorrealismo latinoamericano que tanto busco en mis discusiones y realizaciones. ¿Por qué hacemos lo que hacemos -en lo cotidiano-, sino para tratar de explicarnos?

“… No hago ninguna diferencia entre lo que se entiende por cine y documentales. Por este motivo, es que fue concebido el término “realidad compuesta”. Esto significa que la gente en mis films son no-actores, pero algunas veces no actúan de esa forma. Y eso irrita a alguna gente. Estos quieren pensar y observar en categorías ordenadas…” 3

Notas

1. Willions, Steward. “Hot Stuff” review, 2006.
2. Constantin Wulff, “Eine Welt ohne Mitleid: Ulrich Seidl und seine Filme” in Peter
Illetschko (ed.), Gegenschuss: 16 Regisseure aus Österreich, Vienna, Wespennest, 1995, p 245.
3. Ulrich, Seidl. Entrevistado en taz, 1996. (datos obtenidos de “Border Zones” by
Mattias Frey, 2004). www.sensesofcinema.com

OJO CRITICO O SIMPLE ENTRETENIMIENTO

¿Que nos trae aparejado la aparición de esta nube pasajera cultural?

Luego de varias idas y venidas a los cines del circuito comercial Uruguayo, y a algunas de Cinemateca he visto reflejado el disgusto entre el publico que acudió a la misma sala.

He llegado a ver casi todas las artimañas, con algún retoque nuevo por parte de Hollywood y sequito, o inclusión de festivales para darle otra cara al evento y sin mejoras a primera vista. Dándonos a entender al publico uruguayo serio pero grotesco, la chance de esperar por esos sucesos en pos de una mejora pero que últimamente nos ha defraudado.

Aquí en estos festivales pseudo independientes es que se vislumbran nuevos colores, que aunque no conformen nos dejan un refresco para llevarnos y sobrellevar otra temporada de lamentables demostraciones de lo que es un espectáculo, cuya función es entretener y si es posible ilustrar (alcanzando de esa forma ribetes artísticos).

Entonces surge la problemática de qué vamos a presenciar – película o filme – en ambos casos las diferencias son notorias o la disyuntiva a la hora de la elección de los temas abordados por los mismos, cuando uno ya esta encajonado en no ver el tipo de film que uno necesita sino qué estrella “aparece”, de la misma forma en lo que respecta a la dirección.

Aquí el espectador entra en un juego que no muchos uruguayos llegan a conocer o simplemente no se preguntan que están viendo, y ahí surge la abstracción de la nube que nos haya empañado por todo el manejo actual de la información mediante el uso de los medios.

Creando una ilusión válida para el uruguayo medio que busca una salida rápida entre todo este menú de entretenimientos que, mediante la pantalla, nos eleva sin establecer el vínculo primario generado que es, comunicarse.

Y a la salida, no nos damos cuenta que lo que visualizamos en esta hora y media, es una conformación de lo que necesitamos ver, siendo este espectáculo meramente tiempo perdido (cuando el film no cumple con su función: crear un vinculo) al saber que cada vez que pagamos una entrada nos están cobrando todas sus contradicciones y errores (y los nuestros también).

Dejándonos un gusto amargo y esperar por un nueva película que nos reconfigure nuestra noción de lo que es la realidad y nuestro presente, haciéndonos repensar el todo y buscar el cambio. Esto debería hacer el cine, crear más interrogantes y no plantearnos problemas o presentar argumentos sin cohesión cultural.

¿ Lo qué ?: INGMAR BERGMAN

El cine de autor no se ha ido, aún. Desde los comienzos de la obra del Sr. Bergman es que hemos presenciado este fenómeno. Tanto sea en la lágrima del clown, en el remordimiento de un artista, en la necesidad del seno familiar.

Estas han sido algunas de las características de la obra del “maestro” sueco quien, sin quererlo, nos ha dejado sin su oscuridad entrañable. Maldigo el martes 6 de Abril, cuando dentro del 22° Festival de Cine (Cinemateca) asistí a una entrevista donde se despide de su gente por la puerta chica.

Malditos sean los comunicadores sin ética o comprensión de las necesidades del momento. En esto se incluye el respeto por los “grandes”…

Entré al cine y estaba lleno, la gente pululaba de forma estival por la sala sin saber del acontecimineto que estaba por suceder. Fue uno de los momentos que me causó mayor estupor el poder de las imágenes y lo peor es que la gente al final aplaudió, mientras yo mantuve el silencio y la compostura. Estábamos en medio de un funeral.

Al comienzo del filme Ingmar estaba de buen humor y se estaba apoderando de la pantalla. Me sentí en sintonía con su magia y sus miedos, estaba frente a sus narices (no me podía mentir). Despisto a los comunicadores, trato de engañar al público con su fanatismo y conocimiento sobre cinematografía queriendo ser adolescente una vez más pero en el camino algo aconteció.

Bergman no era el mismo, tardó en darse cuenta y el entrevistador carecía de sensibilidad para guiarlo en su búsqueda. El evento se había transformado en una trampa donde el realizador se mordió la cola, nos enseñó que para todo artista el tiempo no pasa en vano y que “los demonios” (los de cada uno) son metáforas inútiles en este siglo XXI cuando se cumple una nueva transformación en el ámbito audiovisual.

La gota que colmó el vaso, .porque el documental parece sacado de otra dimensión (surrealismo que asusta)- hasta parecía ser un clon de I. Bergman. El entrevistado se percata de su incoherencia y decide no revelar más sus flaquezas causadas por el trabajo y la velocidad de los tiempos que corren (para el cuerpo también).

Y para colmo del espectador se introduce el tema de la muerte en las preguntas y allí es cuando el maestro se resiente y se retira. El equipo de realización lo despide como uno más, así fuera que el sueco de pañales rosados los hubiera cambiado por una incierta humildad (no necesaria en su especie).

La verdad es que ya no sé qué hacer con esta carta, usarla para qué? Con qué motivo ? Estamos perdiendo el respeto por todas las instituciones y todos los grandes contemporáneos que tanto nos ayudan a reflexionar e intentar inútilmente cambiar las cosas. El final, por parte de la audiencia (por que eso son), atestiguó mi interpretación del acontecimiento. Aplaudieron como si fuera una obra más de festival.

Como diría la canción de “Y el tiempo no para…” y podríamos agregar que los medios con sus ejércitos generacionales no perdonan. Lamento en los más profundo de mi pequeña alma cómo el mecanismo ataca a sus más grandes exponentes.

Sigo creyendo al ver “Diario de Filmación” de Fanny y Alexander -gracias a los medios, valga la ironía- que fue y será uno de los grandes. Estaba en su naturaleza el fundir de forma magistral en el cine, sus historietas personales y a la vez tan universales.

Saludos al troesma: Ingmar.

  1. D. Nos vamos a ver en “el medio”, por que ya no estamos ni arriba (cielo) ni abajo (infierno).

¿Nos vamos o nos quedamos?

La compleja pero sencilla actualidad del Uruguay se acomoda en la expresividad de la globalización, de forma de que seguimos siendo una colonia y lo que pasa afuera nos sigue condicionando de forma elocuente. El mundo no da para “más”, la gente ya no corre sino que se mezcla, y por esto, es que no llegamos a tomar decisiones por cuenta propia sino que preferimos adaptarnos al sistema de turno.

Dejando de lado cualquier concepto de individualidad, ¿Cuál es el mapa a elaborar? No hay más paredes, solo fronteras; que además, no se vislumbran con facilidad pero que nos dejan marcas de seguro. Nos dirigen, nos reacondicionan…

Ahora, el querer soportar la realidad en soledad -no hablo por todos- nos deja un mal gusto al preguntarnos sobre ¿qué carajo estamos haciendo o esperando de nosotros mismos y nuestra actualidad? Todo se resume a una mera ilusión pasajera, de la que buscamos escapar sin perder lugar en la transformación.

¿Podemos, o nos sugieren una o tal otra cosa?, el uruguayo -a mi entender- ya no sabe de que forma responder.

El día a día se vuelve inadmisible, ya que se nos impone por fuerza propia; el trabajo mal pago o el trabajo que no aparece, lo cotidiano se vuelve absurdo y el tiempo no para. Queremos “salir”, queremos que …

Cuando un uruguayo (en mi caso) no ve posibilidades cercanas de establecerse y conformar su lugar, se pregunta cotidianamente ¿que estoy haciendo? Aquí surge la posibilidad de emigrar en busca de una prosperidad vacía -por la perdida de un localismo prenatal-, de la cual nunca llegamos a madurar, ¿por temor o temblor?

¿Cuando uno sabe realmente cuando elige? El problema adquiere dimensión al entrar en una nueva instancia de la realización personal -audiovisual-, ya que uno por momentos no dispone de los medios suficientes -depende del sujeto- para optar por el camino sino que este muchas veces se encuentra trazado de antemano por el contexto y/o la sensibilidad del consumidor.

¿Qué es lo que esta faltando para propiciar un evento? Hay cierta ignorancia o falta de disposición para reformular al otro, y por consiguiente, a uno mismo. El reflejo individual que proponemos en el enfrentamiento con el otro, crea una inestabilidad (a la hora de relacionarnos) que por aspectos de nuestra inseguridad o vacuidad lo traduce en desconfianza hacia uno y el medio en que se revela.

Y aquí nos encontramos con las diferentes influencias que se mecen sobre nuestra existencia. ¿Quien quiere todo esto?, sino el orden; ¿Cuál? El que nos dan / ofrecen, el que la historia nos planteo y que nosotros incorporamos y reconfiguramos (los griegos, la iglesia, el metal, la energía, las nuevas tecnologías, la virtualidad). Y cada vez adquiere menos sentido, ¿no les parece?

Pero de la misma manera, hoy siglo XXI, es que dicha dinámica adquiere otra forma -la que tu quieras- o no es mas moldeable por lo tanto menos eficaz, y así más incertidumbre así desconfianza y aquí volvemos a lo antes sugerido cuando vamos a apretar la rosca y ..